骊山作为中国古代文化的重要载体，其绘画艺术可追溯至秦汉时期。唐代画家李思训的《骊山行旅图》以青绿山水技法勾勒出皇家园林的恢弘气象，而宋代米芾的《骊山烟雨图》则通过水墨晕染展现出空灵意境。这些作品不仅记录着不同时代的审美趣味，更在绢素间凝固了骊山“春寒赐浴华清池”的诗意空间。
古代画家通过皴擦点染的笔墨语言构建骊山意象：范宽运用雨点皴表现山石肌理，马远则以斧劈皴强调峭拔之势。在《骊山积雪图》中，画家通过留白技法营造雪霁初晴的澄澈，而《骊山秋色图》则用赭石与花青的冷暖对比，传递“树树皆秋色”的时序感。这种对自然物象的提炼转化，正是中国画“外师造化，中得心源”的实践典范。
骊山绘画的深层价值在于超越地理景观的哲学表达。明代董其昌在《骊山访道图》中通过曲折的溪涧布局隐喻求道路径，清代石涛的《骊山观云图》则以流动的云气暗示宇宙生机。这些作品将具体的山石树木转化为“可游可居”的精神家园，使观者在“咫尺千里”的画卷中体悟天人合一的境界。
近现代画家傅抱石在《骊山图》中融入西画光影手法，张大千用泼彩技法重构骊山云雾。当代艺术家更通过数字水墨、沉浸式展览等新形式，让传统山水意境与当代审美对话。这种创造性转化证明，骊山绘画的生命力正源于对笔墨程式的不断突破。
从青绿重彩到水墨氤氲，骊山古绘画犹如一部视觉化的诗歌史。当其峰峦泉石在宣纸上渐次浮现，我们看到的不仅是自然造化的摹写，更是历代文人将生命体验注入笔端的灵魂印记。这种在方寸之间容纳天地的艺术智慧，至今仍在启迪着我们如何用现代语言延续千年文脉。
